Viaggio cromatico nella Metropolitana di Chiaia – Monte di Dio

Cupola con occhi e vista sui binari della stazione Chiaia – Monte di Dio, area simbolica dedicata all’Ade.

Un percorso simbolico e mitologico nella stazione della Metropolitana Chiaia – Monte di Dio, tra luce, buio e architetture visionarie di Umberto Siola e Peter Greenaway, attraverso il racconto fotografico di Bruno Mottola.

La Metropolitana Chiaia Monte di Dio è uno dei luoghi simbolici più suggestivi della città, un’opera che trasforma il viaggio in un’esperienza artistica e mitologica. Un viaggio sotterraneo che si trasforma in un’esperienza visiva e simbolica, raccontando Napoli nella sua essenza più profonda: un invito a riscoprire la città sotto una nuova luce, fatta di ombre, colori, luci e riflessi.

La metropolitana di Chiaia – Monte di Dio è molto più di un semplice mezzo di trasporto; è una maestosa opera d’arte concettuale, parte del circuito delle stazioni dell’Arte, una tappa imperdibile.

Ogni punto della linea, progettata da Umberto Siola e impreziosita dagli interventi artistici di Peter Greenaway, diventa una tappa di questo viaggio simbolico, che rappresenta l’incontro tra due forze opposte ma complementari: la luce e il buio, l’ascesa e la catabasi (Nel mondo greco, la discesa dell’anima nell’oltretomba).

Un viaggio cromatico tra ascesa, catabasi e introspezione

La metropolitana di Chiaia – Monte di Dio è il luogo in cui il visitatore intraprende un viaggio cromatico che, a seconda del punto di ingresso, può essere interpretato come un’ascesa dal buio degli inferi verso la luce del paradiso (ingresso da Via Chiaia), ma anche come il suo contrario (ingresso da Piazza Santa Maria degli Angeli): una catabasi purificatrice che dal paradiso discende nelle profondità oscure e misteriose del sottosuolo.

È un viaggio nel ventre della città, ma anche una metafora di un percorso all’interno di sé, un cammino verso l’introspezione, con rimandi junghiani alla conoscenza delle proprie ombre.

Un’esperienza che cambia dunque a seconda del punto da cui si inizia e della direzione che si sceglie, simbolo perfetto della duplice natura della metropolitana come passaggio tra mondi, e ancor più di una città che è tutto e il contrario di tutto, con le sue mille anime e contraddizioni.

Napoli come metafora architettonica e spirituale

Napoli non si lascia mai leggere in un solo piano. È città di cunicoli e terrazze, di viscere e panorami.

La metropolitana di Chiaia ne è la metafora perfetta: un viaggio che è al tempo stesso discesa nella memoria e ascesa nella visione.

Architettura, miti e il percorso narrativo di Peter Greenaway

Dal punto di vista architettonico e ingegneristico, la metropolitana è stata progettata per unire due livelli diversi della città e portare la luce naturale da Piazza Santa Maria degli Angeli fino al piano del ferro.

Si è giocato con i volumi sovrapposti, dalla forma cilindrica alla volumetria cubica fino alla cupola semisferica.

Il percorso mitologico creato da Peter Greenaway è una discesa nei miti classici, un viaggio attraverso le divinità che governano i vari domini: l’oceano, la terra, gli inferi, il cosmo.

La stazione diventa così un “non-luogo” architettonico e mitologico, dove ogni passaggio è legato alla forza di una divinità che rappresenta un aspetto della vita umana: la morte, la rinascita, il tempo, la fertilità, il destino.

Il viaggiatore come protagonista del mito urbano

Come in un ciclo eterno, il viaggiatore si muove attraverso questi spazi, attraversando le stagioni della vita e della morte.

La narrazione si snoda come un viaggio all’interno di un labirinto mitologico che affonda nelle radici stesse della città, il mondo greco.

Ogni sezione dell’ambiente riflette un aspetto dell’eroico viaggio di discesa e rinascita, come nella tradizione mitologica classica.

Qui il protagonista è il viaggiatore e la metropolitana, non più una semplice infrastruttura, quasi un corpo vivo che si muove insieme a chi compie il viaggio: un’esperienza spirituale in movimento.

l percorso fotografico di Bruno Mottola

Bruno Mottola (autore delle fotografie della galleria) traduce questo linguaggio visivo in una mappa emotiva: scendere, osservare, lasciarsi attraversare dal colore e, infine, tornare alla luce, trasformati.

Seguendo lo stesso percorso illustrato nella galleria fotografica, iniziamo il nostro viaggio dalle banchine.

Quindi se si entra da via Chiaia, il percorso si configura come un’ascesa che, partendo dall’oscurità, sembra portare verso una resurrezione: una trasformazione simbolica che si concretizza nel passaggio dalle tenebre alla luce. Man mano che si sale, i colori mutano e diventano sempre più luminosi, accompagnando il viaggiatore verso il bianco puro, fino alla luce naturale.

I livelli simbolici: Ade, Proserpina, Cerere, Nettuno, Giove

Dettaglio ravvicinato della cupola con occhi simbolici nella stazione dell’Arte Chiaia – Monte di Dio.

Sulle banchine, i binari dipinti di un rosso intenso richiamano l’immagine dell’Ade, il dominio oscuro di Plutone. Qui, nel cuore della terra, prende forma il regno dove dimorano le anime.

Sopra la stazione si apre una grande cupola tempestata di occhi, come se il dio degli inferi osservasse silenziosamente chi entra e chi esce dai treni. Il suo sguardo sembra congelare ogni movimento, ricordando al viaggiatore il confine sottile tra il mondo dei vivi e quello dei morti.

Avanzando negli ambienti interni, il rosso lascia spazio a tonalità dell’arancio. È il passaggio simbolico dedicato al mito di Proserpina: il suo rapimento, la sua discesa e il suo ritorno ciclico sulla terra, che scandisce il ritmo delle stagioni. Qui il riferimento al fiume Stige, confine tra i due mondi, è palpabile.

Sulle pareti compaiono sei melograni, emblema del legame indissolubile tra Proserpina e l’oltretomba: il frutto che la vincolò al regno sotterraneo e al suo eterno alternarsi di morte e rinascita.

Proseguendo nel percorso si entra in un grande volume geometrico, dedicato a Cerere, dea della terra e della fertilità. Il verde domina lo spazio, evocando prati, campi e raccolti.

Ingresso verde della stazione Chiaia – Monte di Dio, area dedicata al simbolismo di Cerere lungo il percorso mitologico.

Scale e scale mobili dell’area verde di Cerere nella stazione Chiaia – Monte di Dio, simbolo della risalita verso la luce.

Al centro, un imponente cubo racchiude la Galleria d’Arte, dove sono esposte riproduzioni delle statue Farnese conservate al Museo Nazionale di Napoli. Questo ambiente, legato alla figura di Cerere, diventa metafora del ritorno della primavera: la natura che risorge dopo il buio e il gelo dell’inverno.

Più avanti, una rampa a spirale conduce verso un’atmosfera completamente diversa: toni bianchi e blu richiamano le profondità marine, dominio di Nettuno. L’impressione è quella di immergersi lentamente negli abissi, accompagnati da una citazione di Ovidio che celebra la serenità dell’acqua dolce: “Est in aqua dulci non invidiosa voluptas”.

La discesa acquista così un valore simbolico, un viaggio dentro se stessi, verso un luogo segreto e quieto, libero da rivalità e tensioni.

Il percorso si conclude in Piazza Santa Maria degli Angeli, dove svetta la monumentale figura di Giove. La scultura, realizzata in acciaio e dotata di ventiquattro braccia alate, rappresenta lo scorrere delle ore e il potere cosmico del dio che governa il cielo.

È qui che il cammino mitologico trova il suo compimento: la piazza, rinnovata e luminosa, diventa contemporaneamente approdo e punto di partenza, sotto lo sguardo vigile del sovrano degli dèi.

Vista verso l’alto della cupola bianca e delle statue classiche nell’area di Nettuno della stazione Chiaia – Monte di Dio.

Cupola bianca con rampa a spirale dedicata a Nettuno nella stazione Chiaia – Monte di Dio, simbolo del viaggio negli abissi.

Il riconoscimento internazionale: il Prix Versailles 2024

Nel 2024, la stazione di Chiaia – Monte di Dio ha ricevuto il prestigioso Prix Versailles, classificandosi al secondo posto nella categoria “Stazioni Ferroviarie” come una delle più belle al mondo.

Un riconoscimento che sottolinea l’importanza di questa fermata, non solo come parte integrante della rete metropolitana di Napoli, ma anche come un capolavoro di architettura e arte da non perdere.

“Le spine del Rosa” di Daniela Marra: la recensione

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Copertina del libro ‘Le spine del Rosa’ di Daniela Marra, edizione Colonnese: fotografia della cover con titolo e grafica originale

Un viaggio narrativo nell’arte, nella vita e nelle inquietudini di Salvator Rosa attraverso il romanzo di Daniela Marra.

Il libro Le spine del Rosa di Daniela Marra (Colonnese editore) accoglie il lettore come un luogo da esplorare. La prima cosa che colpisce è il titolo, potente e magnetico, esaltato da una copertina che non passa inosservata. Per chi, come me, si occupa di storia dell’arte, incontrare tra queste pagine figure come Jusepe de Ribera, Micco Spadaro, Aniello Falcone e Giovanni Lanfranco è un piacere raro, un incentivo a proseguire la lettura senza interruzioni. Anche chi non ha un interesse specifico per l’arte troverà però un ritratto convincente della Napoli e dell’Italia del Seicento, delineato con grande efficacia narrativa.

Salvator Rosa: un artista fuori dagli schemi

E il “Rosa” evocato dal titolo? Un artista difficile da incasellare, poeta e pittore dal temperamento irruento – carattere comune a molti creativi del periodo – che si fece conoscere per la sua pittura fuori dagli schemi: battaglie dove il vero protagonista non è l’eroe, ma l’atmosfera inquieta del paesaggio. Uno stile che gli valse l’attenzione di personalità influenti come il cardinale napoletano Francesco Maria Brancacci e il re Filippo IV di Spagna.

Passioni, scandali e ferite nella vita di Rosa

Anche la sua vita privata, che l’autrice restituisce con intensità e contrasti degni delle sue tele, diventa parte integrante del racconto. La storia d’amore con Lucrezia Paolini, già sposata, generò scandali e pettegolezzi nella Roma del tempo: dalle loro vicende scaturirono alcune delle opere più intime dell’artista. La morte del figlio Rosalvo, vittima della peste, rappresentò per lui un colpo devastante, un evento che cambiò profondamente il suo modo di sentire e di dipingere.

Il legame con Napoli e la ricerca sulla realtà

Il rapporto con Napoli, la città in cui crebbe, è un altro dei cardini del libro. Il temperamento esplosivo del giovane Rosa sembra riflettere quello della sua terra: l’immagine iniziale della corsa sfrenata con i fratelli è un’apertura simbolica e suggestiva. La Marra utilizza spesso un linguaggio ricco e musicale, e in momenti quasi lirici descrive la pittura come un movimento sensuale che rende la realtà più vera del reale. Salvatore se lo chiede: che cosa significa davvero realtà? Una domanda che attraversa tutta l’opera.

Una narrazione originale tra ricerca storica e introspezione

Si intuisce un lavoro meticoloso sulle fonti, accompagnato però da una libertà narrativa che non appesantisce, anzi dona originalità al romanzo. Non è una biografia, ma un’immersione nel mondo interiore di “colui che sfidò il mondo attraverso i suoi quadri”. La bellezza magari non salva il mondo, ma le opere di Rosa continuano a parlare a chi le osserva.

Un artista difficile da amare, un romanzo necessario

Come spesso succede, c’è voluto tempo perché il talento di quest’artista, capace di opporsi alle convenzioni del suo tempo, venisse riconosciuto. Anche uno studioso come Causa lo definì “uno degli artisti più difficili da amare”. L’autrice merita quindi un elogio per aver raccontato un secolo tormentato e contraddittorio e, allo stesso tempo, per averci accompagnati nel buio interiore di Rosa, un buio che appartiene un po’ a tutti.

"Le spine del Rosa" di Daniela Marra: la recensione 1

"Le spine del Rosa" di Daniela Marra: la recensione 2

Caravaggio a Napoli: un viaggio nella materia del sacro

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Le Sette Opere di Misericordia di Caravaggio al Pio Monte della Misericordia di Napoli, capolavoro del Merisi con scena notturna e forte chiaroscuro.

Un itinerario tra le opere napoletane di Michelangelo Merisi: dalle Sette Opere di Misericordia alla Flagellazione di Cristo fino al Martirio di Sant’Orsola

Arrivare a Napoli sulle tracce di Caravaggio significa entrare in una città che sembra aver assorbito la sua stessa tensione luminosa.
Durante gli anni difficili della fuga, il Merisi trovò qui un terreno in stretta assonanza con il suo modo di guardare il mondo: vicoli tagliati da lame di luce, improvvisi baleni che emergono dal buio, proprio come nei suoi quadri. È seguendo questo ritmo di ombre e aperture improvvise che si può cominciare il viaggio nelle tre opere che il pittore ha lasciato alla città, quasi fossero frammenti della sua stessa biografia luminosa.

Le Sette Opere di Misericordia: il capolavoro del Pio Monte

La prima tappa è il Pio Monte della Misericordia a via dei Tribunali. Oltre il portone si viene avvolti da un silenzio ‘verticale’, raccolto attorno al grande altare che ospita Le Sette Opere di Misericordia. La tela, enorme e orchestrata con una complessità quasi impossibile, mostra la piena maturità compositiva del Merisi. È un quadro costruito su più livelli narrativi che si intrecciano senza interruzione, con una densità di figure e azioni che richiederebbe, sulla carta, una serie di tele separate. Caravaggio invece ne fa un’unica scena notturna, un dramma urbano in cui le opere di carità corporali vengono rilette come episodi di un’unica ‘visione di misericordia’.

Dal punto di vista tecnico, è un’opera che rivela una gestione della luce d’impressionante precisione. Il chiaroscuro non è qui un semplice effetto drammatico, ma un vero meccanismo narrativo: la luce cala obliqua dall’alto, come se scendesse da una fonte celeste, modellando i volti e i gesti con un’esattezza anatomica che accentua il senso di realtà. Gli studi radiografici hanno mostrato la sorprendente sicurezza con cui Caravaggio affronta la disposizione delle figure: pochissime pentimenti, molte linee luminose tracciate direttamente sul fondo scuro. È la dimostrazione del suo metodo in cui la luce stessa diventa strumento di composizione.

L’angelo che domina la parte alta della scena, sorreggendo il drappo, introduce un registro quasi teatrale: una sorta di “cornice luminosa” che separa e al tempo stesso collega il livello celeste con quello terreno. Le azioni caritatevoli – dall’allattamento del carcerato al soccorso del pellegrino – si collocano in uno spazio angusto e pieno, dove la gestualità è calibrata con cura: ogni braccio teso, ogni volto ruotato partecipa a una struttura compositiva che si regge su diagonali. Eppure, nonostante la complessità, la scena non appare caotica.

La Flagellazione di Cristo al Museo di Capodimonte

Dalla città vecchia, ci si sposta verso l’alto, al Museo di Capodimonte, dove si trova la Flagellazione di Cristo, realizzata nel 1607. Qui l’atmosfera cambia completamente: se il quadro del Pio Monte è espansivo e plurale, questa tela è ridotta all’essenziale. Caravaggio, infatti, elimina ogni elemento superfluo: tutto è sacrificato a un impianto compositivo rigoroso, concentrato attorno alla figura di Cristo. La colonna è volutamente bassa e costringe il corpo del Redentore a un’inclinazione diagonale che è la vera ossatura dell’opera: attorno a essa si organizzano le linee dei carnefici, che formano un mosaico di movimenti contrapposti.

Tecnicamente, questo quadro è uno dei più “geometrici” della produzione napoletana del Merisi. Le diagonali create dai corpi e dagli arti dei flagellanti convergono tutte sul torso di Cristo, che è l’unica figura realmente modellata dalla luce. Il suo busto appare quasi scultoreo, costruito con una definizione che richiama la tradizione michelangiolesca, ma reinterpretata attraverso l’uso del chiaroscuro: la luce lo colpisce in modo così netto da cancellare quasi del tutto la linea di separazione tra figura e sfondo. I carnefici, invece, emergono a tratti dalla penombra, con volti privati di identità, solo due forze cieche.

Il Martirio di Sant’Orsola alle Gallerie d’Italia

Da Capodimonte si ritorna nel cuore della città, lungo via Toledo, per entrare a nel palazzo del Banco di Napoli, dove è conservato Il Martirio di Sant’Orsola (1610), l’ultima opera del Merisi. Qui il registro cambia di nuovo: non più un dramma complesso e stratificato, né un rito della violenza geometrica, ma un istante congelato. La scena si svolge in un ambiente chiuso, delimitato da una tenda scura: Sant’Orsola, colpita nel petto dalla freccia scoccata da Attila, guarda la propria ferita con una compostezza che è il cuore emotivo del quadro: non c’è retorica del martirio, ma un dolore raccolto, quasi introspettivo.

La luce in quest’opera è calibrata con una sensibilità ancora più raffinata rispetto ai quadri precedenti. Non si tratta di un’illuminazione radente, bensì di un cono verticale che investe selettivamente i volti chiave: quello della santa, quello di Attila che indietreggia, e quello del personaggio alle sue spalle – forse un autoritratto di Caravaggio – che guarda la scena con un’espressione di sgomento trattenuto.

L’opera presenta inoltre una densità materica particolare: le pennellate sono rapide, sovrapposte, quasi concitate, come se Caravaggio stesse combattendo contro il tempo. Il recente restauro ha rivelato figure precedentemente inghiottite dalla penombra: teste, elmi, profili secondari che costruiscono una piccola folla attorno alla santa, trasformando il suo martirio in una scena corale ma soffocata, compressa. Tutto è ravvicinato, tutto è immediato: non c’è distanza, e questo aumenta la violenza psicologica della scena.

Conclusione: un itinerario caravaggesco nel cuore di Napoli

Osservando le tre opere una dopo l’altra, si ha la sensazione di attraversare non solo tre luoghi di Napoli, ma tre stati d’animo dell’artista, tre modalità differenti di affrontare il sacro.

Napoli li conserva come un itinerario non ufficiale della sua memoria e alla fine del percorso si comprende una cosa semplice ma decisiva: Caravaggio non ha solo dipinto Napoli, ma l’ha respirata. Forse è per questo che la città continua a custodire le sue tele come un segreto antico, con luce ed ombra insieme.

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Il Mitreo dell’antica Capua: tra archeologia e simboli junghiani. Una giornata tra studio, esperienza e psiche

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Mitreo di Santa Maria Capua Vetere, ambiente sotterraneo del culto di Mitra

Un convegno che unisce patrimonio culturale e psicologia analitica

Sabato 22 novembre 2025, dalle 9.30 alle 17.30, il Museo Archeologico Nazionale dell’antica Capua ospita una giornata di studi dal titolo “Il Mitreo dell’antica Capua tra lettura archeologica e lettura simbolica junghiana. Itinerari della psiche”.
L’evento — promosso dalla Direzione Regionale Musei Nazionali Campania, dalla Direzione del Museo e dalla Sezione napoletana dell’Associazione Italiana di Psicologia Analitica (A.I.P.A.) — propone un percorso che intreccia conoscenza scientifica, ascolto del corpo, simboli antichi e profondità dell’immaginario.

Un appuntamento pensato per avvicinare il grande pubblico a uno dei luoghi più straordinari e affascinanti della storia campana, il Mitreo di Capua, tra le testimonianze più significative del culto orientale di Mitra in Occidente.

Il programma della giornata

Dopo i saluti istituzionali della direttrice Antonella Tomeo, a cui fanno capo il Museo archeologico nazionale dell’antica Capua, l’Anfiteatro Campano e il Mitreo, la sessione mattutina prende avvio con una fase esperienziale guidata dalla psicologa e psicoterapeuta Anna Bruno, analista A.I.P.A., dedicata all’attivazione corporea.

A seguire, la direttrice Tomeo conduce i partecipanti in una visita approfondita al Mitreo, illustrando storia, iconografia e peculiarità del santuario sotterraneo.

Locandina ufficiale del convegno sul Mitreo dell’antica Capua – Itinerari della psiche

Gli interventi scientifici

La seconda parte della mattinata e il pomeriggio ospitano quattro contributi che mettono in dialogo archeologia, storia delle religioni e psicologia analitica junghiana:

Antonella Tomeo – “Il Mitreo dell’antica Capua. Testimonianze di culti orientali in Campania”
Un approfondimento sul ruolo del Mitreo nel panorama religioso campano e sulle sue connessioni con il mondo mediterraneo.

Gloria Gleijeses, psicologa, psicoterapeuta e responsabile della sezione napoletana A.I.P.A. – “Il culto mitraico in una prospettiva analitica”
Una lettura simbolica e junghiana dei riti mitraici e della figura di Mitra come archetipo.

Giovanni Gaglione, psichiatra, psicologo e referente dell’area “Itinerari della Psiche” – “Enérgheia e Pathos nell’Immagine. Un confronto tra C. G. Jung e A. Warburg”
Un confronto tra due protagonisti della riflessione sul potere delle immagini e dei simboli.

Massimiliano Scarpelli, psicologo, psicoterapeuta e analista – “Il senso simbolico del culto mitraico nell’ambito della psicologia analitica”
Un’indagine sul valore trasformativo del simbolo mitraico nei processi psichici.

Laboratori ed esperienze condivise

Il programma prosegue con due attività partecipative:

Laboratorio di scrittura creativa a cura della scrittrice e docente Marilena Lucente, dedicato alla rielaborazione narrativa delle impressioni suscitate dal Mitreo.

Esperienza gruppale “Dal Mitreo al gruppo: il rito come spazio di trasformazione”, guidata dalla psichiatra e analista Paola Russo, per esplorare dinamiche collettive e dimensione rituale.

Un evento a numero chiuso: come partecipare

La partecipazione è a numero chiuso. È obbligatoria la pre-iscrizione all’indirizzo: aipanapoli@gmail.com

Il significato dell’iniziativa

«Nel cuore dell’antica Capua, un luogo sacro e misterico apre le sue porte a un dialogo tra archeologia e psicologia analitica, tra immagini, simboli, misteri e profondità dell’inconscio collettivo, attraverso l’esplorazione di un percorso esperienziale che intreccia patrimonio culturale, religione antica e scienza moderna», commenta la direttrice Antonella Tomeo.

Un invito a riscoprire il Mitreo non solo come straordinaria testimonianza storico-archeologica, ma come spazio vivo, capace di parlare alla sensibilità contemporanea attraverso la forza dei suoi simboli.

Parco Archeologico di Ercolano: la crescita dei visitatori e il successo delle iniziative serali

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Vista panoramica del Parco Archeologico di Ercolano con gli scavi e le strutture romane perfettamente conservate.

Trend positivo per gli ingressi e sold out alle Terme Suburbane

Il Parco Archeologico di Ercolano continua a registrare numeri in crescita, confermandosi una delle mete culturali più dinamiche della Campania.
Nei primi 10 mesi del 2025 gli ingressi hanno registrato un incremento di circa il 3% rispetto allo stesso periodo del 2024, un dato che consolida un trend positivo destinato a proseguire fino alla fine dell’anno.

Grande successo anche per la riapertura straordinaria delle Terme Suburbane, visitabili per tre sabati consecutivi dal 15 al 29 novembre. Considerato uno dei complessi termali romani meglio conservati al mondo, il sito ha registrato sold out in poche ore dall’apertura delle prenotazioni.

Una Notte al Museo: aperture serali fino al 25 novembre

Prosegue inoltre, fino a martedì 25 novembre 2025, l’iniziativa Una Notte al Museo, che consente al pubblico di accedere in orario serale, ogni martedì e giovedì, con biglietto ridotto a due spazi culturali di grande valore:

Padiglione della Barca

Un percorso dedicato al legame tra Ercolano e il mare, con reperti eccezionali tra cui la celebre lancia militare rinvenuta sull’antica spiaggia.

Antiquarium

Espone la straordinaria collezione di legni antichi, perfettamente conservati, e gli ori di Ercolano, testimonianza del lusso e del gusto dell’epoca romana.

Esperienze serali con archeologi, restauratori e architetti

Durante le aperture serali — dalle 20:30 alle 23:30 (ultimo ingresso alle 22:30) — i visitatori hanno l’opportunità di incontrare archeologi, restauratori e architetti del Parco, che condividono conoscenze, approfondimenti e il racconto del loro lavoro quotidiano di tutela e valorizzazione del sito.

Informazioni e prenotazioni

Per dettagli su orari, tariffe e modalità di accesso all’iniziativa Una Notte al Museo è possibile consultare il link ufficiale:
https://ercolano.cultura.gov.it/unanottealmuseo/ oppure visitare i canali istituzionali del Parco Archeologico di Ercolano.

Monica Sarnelli fa il pienone all’Augusteo: presentato il progetto RitmiUrbani Network

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Primo piano di Monica Sarnelli al Teatro Augusteo durante lo spettacolo “Sirene, sciantose, malafemmene ed altre storie di donne veraci”.

Un Teatro Augusteo gremito celebra lo spettacolo “Sirene, sciantose, malafemmene ed altre storie di donne veraci”

Napoli. Un Teatro Augusteo stracolmo ha accolto Monica Sarnelli e il suo spettacolo, “Sirene, sciantose, malafemmene ed altre storie di donne veraci”, scritto da Federico Vacalebre con la regia di Carlo Cerciello, in una versione rinnovata. In scena anche l’attrice Cinzia Cordella e un ensemble tutto al femminile: Cristina Massaro al piano, e il quartetto d’archi con Anna Rita Di Pace, Isabella Parmiciano, Tiziana Traverso, Monia Massa. Arrangiamenti musicali di Pino Tafuto e Salvio Vassallo. Disegno luci, Andrea Iacopino; aiuto regia e video di Fabiana Fazio.

La serata al Teatro Augusteo

Lo spettacolo in tono ironico riflette su un mondo, quello della musica, non solo partenopea, ancora sin troppo maschilista.
Da Malafemmena (Totò) a Nun Te Scurda’ (Almamegretta), da Bammenella (Raffaele Viviani) a Donna (Enzo Gragnaniello), e poi Dove Sta Zazà (Gabriella Ferri), Preferisco Il Novecento (Ria Rosa), Liu’ (Alunni Del Sole), Ipocrisia (Angela Luce), Assaje (Lina Sastri | Pino Daniele), Voglia ‘E Turna’ (Teresa De Sio) e tante altre canzoni: la voce della Sarnelli ha incantato il pubblico.

Nel finale è salita sul palco l’artista Fuliggine (Francesca Andreano, figlia della Sarnelli), che ha cantato il brano di Madame “Marea”, diventato in napoletano “Parea”: un vero inno al femminile.

Tra il pubblico, tanti artisti e amici: Carlo Cerciello, Imma Villa, Gino Rivieccio, Amedeo Colella, Ciro Villano, Antonello Rondi, Pino Tafuto, Lino D’Angiò, Elisabetta Serio, Antonello Cossia, Eufemia Ferraro (Teatro Pubblico Campano), Stefano Prestisimone, Nando Spasiano, Francesca Silvestre, Mario De Nardo (Eventi in Campania), Carlo Famularo, Valentina De Nigris, Antonio Porcelli (Amarcord), Gianluca ed Antonio Brugnano, Rosario Bianco (Rogiosi Editore), Salvatore Cirillo (Zeus Sport), Salvatore Isaia (Gruppo Isaia, Editore Radio CRC), Anna Arenella (Annarè), Salvio Zungri (Ortopedia Meridionale), Gian Paolo Saporito (Saporito’s Team), Ivan Nocca (Avernum Relais), Gianluca Manna (PhoneVillage), Ferdi Bajrami, il regista Carlo Luglio.

Monica Sarnelli sul palco del Teatro Augusteo in un momento dello spettacolo dedicato alle grandi voci femminili della musica napoletana. — Monica Sarnelli in Sirene – ph©Pino Miraglia

Calendario delle prossime date

Dopo Napoli, “Sirene, sciantose, malafemmene ed altre storie di donne veraci” sarà in scena in molti teatri campani:

16 gennaio 2026 – Teatro Ricciardi, Capua (CE)
19 marzo 2026 – Teatro La Provvidenza, Vallo della Lucania (SA)
20 marzo 2026 – Auditorium Tommasiello, Teano (CE)
9 aprile 2026 – Teatro Minerva, Boscoreale (NA)
10, 11 e 12 aprile 2026 – Teatro Di Costanzo-Mattiello, Pompei (NA)
22 aprile 2026 – Teatro Italia, Acerra (NA)

Il progetto RitmiUrbani Network

Il foyer del Teatro Augusteo ha ospitato l’happening di presentazione del progetto RitmiUrbani Network.
Il noto format tv degli anni ’90, ideato dal produttore musicale Dario Andreano, del quale Monica Sarnelli è stata il volto per molti anni, approda ora sui social, annunciando una serie di nuove iniziative: tra queste, il nuovo canale YouTube e la versione completamente rinnovata dello spettacolo.

Andreano racconta:
“Erano i primi anni ‘90, avevo fatto delle produzioni musicali (la prima, di jazz, già nel 1987) e mi domandavo come fare a farlo sapere. Pensai allora di fare un programma televisivo… zapping frenetico… auto zapping”.

Quello stile anticipò il linguaggio dei social moderni: immagini rapide, tormentoni, ripetizioni, format sintetici.
All’epoca RitmiUrbani – in onda 12 mesi all’anno – aveva 3 passaggi quotidiani su Canale 21, come un vero telegiornale.

Il Sarcofago di Crispina sarà esposto al pubblico: un nuovo tesoro per la Certosa di San Giacomo a Capri

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Sarcofago romano del II secolo d.C., noto come Sarcofago di Crispina, esposto al Museo Archeologico della Certosa di San Giacomo a Capri.

Un nuovo tesoro per il Museo Archeologico di Capri. Un reperto romano del II secolo d.C. entra nel percorso museale caprese

Il sarcofago cosiddetto di Crispina, uno dei reperti più identitari dell’isola, sarà presto esposto al pubblico presso il Museo Archeologico della Certosa di San Giacomo.
L’accordo siglato tra i Musei e Parchi Archeologici di Capri e la famiglia Ruocco permetterà di valorizzare un manufatto romano di straordinario interesse storico e artistico, databile al II secolo d.C.

Il trasferimento del sarcofago rappresenta un passo significativo nella promozione del patrimonio culturale caprese, rendendo finalmente accessibile un’opera custodita per decenni in ambito privato.

Il Sarcofago di Crispina: tra storia, mito e leggenda

Il sarcofago è tradizionalmente associato a Crispina Brutia, moglie dell’imperatore Commodo e appartenente a una prestigiosa famiglia lucana della dinastia antonina. Sposata appena diciottenne, ricoprì il ruolo di imperatrice per quattordici anni, fino alle accuse di adulterio che portarono al suo esilio a Capri dal 182 d.C. fino alla morte.

Il manufatto, ritrovato nella chiesa di San Costanzo nel 1810, fu attribuito a Crispina poiché conteneva una donna deposta con abiti di pregio. Gli studi moderni hanno dimostrato che non appartiene all’imperatrice, ma il valore simbolico della tradizione ottocentesca ne ha consolidato il legame con la memoria dell’isola.

Dal ritrovamento alla nuova esposizione museale

Dopo la scoperta, il sarcofago fu a lungo conservato presso l’Hotel Grotte Bleue, oggi non più esistente. Per oltre un secolo la famiglia Ruocco ne ha garantito la tutela, preservandone integrità e storia.

Grazie alla recente collaborazione con l’Istituto, nei prossimi mesi il sarcofago verrà trasferito alla Certosa di San Giacomo, dove sarà esaminato da specialisti per una valutazione conservativa preliminare.
Successivamente verrà inserito in un percorso espositivo dedicato alla storia romana di Capri, arricchendo l’offerta culturale del museo.

Un nuovo capitolo per il patrimonio culturale di Capri

L’intesa testimonia l’impegno dell’Istituto nel rendere accessibili al pubblico opere di eccezionale valore storico e artistico. L’esposizione del sarcofago cosiddetto di Crispina offrirà a visitatori, studiosi e cittadini un’occasione unica per approfondire la storia antica dell’isola e riscoprire uno dei suoi simboli più affascinanti.

“Vita di San Genesio”: il miracolo del teatro apre la stagione del Ridotto del Mercadante

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vita si San Genesio dal 13 al 23 Novembre al ridotto del Mercadante

Una messa profana tra miracoli, fragilità e rivelazioni: il teatro come ultimo spazio libero

Dal 13 al 23 novembre, il Ridotto del Mercadante inaugura la nuova stagione con “Vita di San Genesio”, testo e regia di Alessandro Paschitto, un progetto della compagnia CTRL+ALT+CANC, prodotto dal Teatro di Napoli – Teatro Nazionale.

Uno spettacolo che parte da un’idea forte, quasi provocatoria: in un presente affollato di incertezze e sovraccarico di stimoli, il teatro può ancora essere luogo di rivelazione, di imprevisto, di piccole epifanie. Un posto in cui, anche solo per un istante, credere nel miracolo.

Il santo protettore degli attori, tra leggenda e contemporaneo

San Genesio è il santo patrono degli attori, dei guitti e dei giullari. Il santo protettore del teatro. Fu attore e mimo nella Roma di Diocleziano intorno al 300 d.C. e, chiamato a recitare la parodia di un sacramento, lo fece così bene che durante lo spettacolo ebbe una visione e si convertì da solo al cristianesimo, compiendo sulla scena un miracolo imprevisto. Torturato e ucciso subito, oggi è martire.

.Partendo da questa figura sospesa tra storia e leggenda, Paschitto costruisce una riflessione sul nostro tempo, sulle fragilità che ci accompagnano e sulla costante sensazione di “aver perso il mondo”.

Il miracolo come ultimo spazio libero

Il regista parla apertamente della condizione contemporanea: la percezione di essere sempre in ritardo, sempre insufficienti, sempre schiacciati da ciò che ci supera.

Mentre psicoterapia, palestra e farmaci promettono sollievo ma richiedono tempo, mentre gli algoritmi ci osservano e le politiche appaiono opache, resta quell’istante segreto in cui – laicamente o meno – ognuno di noi sussurra: ti prego.

È da questo bisogno di risposta che nasce il desiderio di compiere un miracolo.
Un piccolo gesto di onnipotenza, forse, ma anche l’ultimo spazio intatto, non ancora consumato.

Il rito scenico diventa allora una messa rovesciata, un cerimoniale decaduto che osserva e restituisce le nostre abitudini, i nostri fallimenti, i nostri tentativi. Una parodia che diventa rivelazione.

Vita San Genesio testo e regia Alessandro Paschitto con Mattia Lauro, Raimonda Maraviglia, Francesco Roccasecca

Cast e squadra creativa

Testo e regia: Alessandro Paschitto
Con: Mattia Lauro, Raimonda Maraviglia, Francesco Roccasecca
Scene: Sara Palmieri
Costumi: Rosario Martone
Musiche: Renato Grieco
Vocal coach: Valentina De Giovanni
Disegno luci: Carmine Pierri
Direttrice di scena: Flavia Francioso
Datrice luci: Desideria Angeloni
Fonico: Guido Marziale
Macchinista: Marco Di Napoli
Progetto: CTRL+ALT+CANC
Produzione: Teatro di Napoli – Teatro Nazionale

Con il sostegno di:
Teatro del Carro / Residenza MigraMenti, Carrozzerie n.o.t – residenza produttiva, Toscana Terra Accogliente 2024 – Residenze Kanterstrasse, Pilar Ternera, Officine Papage, Teatrino dei Fondi.
In memoria di Manuel Severino
Si ringrazia Michelangelo Maraviglia

Un appuntamento da non perdere

“Vita di San Genesio” è un viaggio nel bisogno umano di significato, un confronto diretto con le nostre debolezze, un rito che unisce sacro e profano. Un’apertura di stagione che promette intensità, riflessione e linguaggi contemporanei.

“Caduta nella Rete”: quando il virtuale diventa gabbia

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Gigliola De Feo in Caduta dalla Rete al Teatro Nuovo Sancarluccio di Napoli

Una nuova produzione Scenario Biondo firmata da Ester Chica

“Caduta nella Rete” ha debuttato da giovedì 13 novembre e resterà inscena fino a domenica 23 novembre presso il Nuovo Teatro Sancarluccio, storica sala nel cuore di Chiaia, in via San Pasquale a Chiaia 49. Un luogo simbolo del teatro d’autore napoletano che accoglie una produzione intensa e profondamente attuale, capace di parlare – con ironia e verità – alla nostra quotidianità digitale.

“Caduta nella Rete”, scritto da Ester Chica, è una pièce dal linguaggio contemporaneo, capace di raccontare con lucidità – e un’ironia mai banale – le contraddizioni della nostra epoca iperconnessa.
L’adattamento è firmato da Ester Chica, Gigliola de Feo ed Ersilia Saffiotti, mentre la regia è affidata a Gigliola de Feo ed Ersilia Saffiotti. Nel ruolo di aiuto regista troviamo Maria Teresa Iannone.

A guidare il pubblico attraverso questa storia è Gigliola de Feo, attrice protagonista, affiancata da Ester Chica, Pasquale Donnarumma e Diego Consiglio. La produzione è a cura di Scenario Biondo con Ester Chica.

Personaggi e struttura dello spettacolo

In scena prendono vita:
– Agata
– Gervasio
– Rebecca Freud
– Ercole
– Lo schermo del cellulare di Agata

Fuori scena agiscono invece:
– Aldo
– La mamma di Agata
– Belfagor
– Il Sistema

La durata complessiva dello spettacolo è di un’ora e 15 minuti

Sinossi: la fragilità dietro lo schermo

La protagonista, Agata, interpretata da Gigliola De Feo, è una giovane donna che vive – come molti – immersa nelle nevrosi quotidiane.
Il suo rapporto con la Rete e con i social network la trascina in un universo parallelo che, lentamente ma inesorabilmente, intacca le sue certezze e il suo equilibrio emotivo.

Nel mondo di “Caduta nella Rete”, Agata e gli altri personaggi finiscono per trasformarsi in maschere tragicomiche, vittime inconsapevoli di un meccanismo digitale che amplifica la solitudine e indebolisce il contatto umano.
La mancanza di relazioni fisiche diventa così il filo rosso che unisce i protagonisti, rendendoli testimonianze viventi della fragilità generata dall’iperconnessione.

Un ritmo serrato tra ironia, colpi di scena e riflessione

Il testo utilizza un tono leggero, ironico, talvolta incalzante, per affrontare un tema mai così attuale: la distanza tra le persone che vivono costantemente “connesse” e, allo stesso tempo, scollegate dalla realtà.

Amore, amicizia e libero arbitrio sono i cardini su cui si muove la narrazione.
Attraverso situazioni brillanti e momenti di tensione, lo spettacolo invita il pubblico a interrogarsi sulla capacità – e sul coraggio – di scegliere la propria umanità.

Il finale, salvifico solo per chi saprà compiere questa scelta, diventa un invito a riappropriarsi della vita reale, fuori dallo schermo, dove i rapporti tornano autentici e possibili.

“Lina e le Altre” al Sannazaro: il cuore delle donne di Napoli batte sul palco insieme a Lina Sastri

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Lo spettacolo di Lina Sastri conquista il Teatro Sannazaro con un racconto potente dedicato alle donne di Napoli

Al Teatro Sannazaro, nei giorni 7, 8 e 9 novembre, Napoli ha ritrovato una delle sue voci più autentiche. Con “Lina e le Altre”, Lina Sastri non ha semplicemente portato in scena uno spettacolo: ha aperto un varco nella memoria viva della città, lasciando affiorare le donne che hanno attraversato il suo destino, i suoi vicoli, le sue ferite e la sua grazia.

Una formazione tutta femminile per una Napoli che suona e racconta

Sul palco, insieme a lei, sei giovani musiciste guidate da Elisabetta Serio: Giustina Gambardella (percussioni), Elisabetta Saviano (batteria), Elisabetta Pasquale (basso), Katia Schiavone (chitarra), Francesca Masucci (violino).

Una formazione interamente femminile che dialoga con la tradizione musicale napoletana come se ne custodisse l’eredità, ma con lo sguardo rivolto avanti.

Le figure femminili che hanno segnato la storia di Napoli

Lina costruisce un percorso che appartiene profondamente a Napoli. Parte da una donna sola, costretta a fronteggiare la violenza degli uomini che la giudicano perché vedova di Masiello. Incontra la tenacia di Matilde Serao, che ha lottato per i diritti e per la dignità delle donne. Accoglie lo strazio universale di Medea. Riconosce la dolcezza operosa delle Dame di Carità, che leniscono il dolore degli uomini.
E infine rende omaggio a sua madre, Ninetta, in un momento intimo e rivelatore.

Applausi continui e standing ovation per un racconto che appartiene alla città

La sala ha sostenuto lo spettacolo con applausi costanti, fino alla standing ovation finale. Quando Napoli si riconosce, applaude. E qui si è riconosciuta tutta, nelle fragilità e nei fuochi che abitano le sue donne.
Elemento centrale dello spettacolo è il dialogo tra teatro e musica.
Le canzoni della tradizione — L’addio, Canzone appassiunata, Tammurriata nera, Marruzzella, ’O sole mio — emergono con nuovi colori grazie agli arrangiamenti moderni. Non semplici interpretazioni: vere rigenerazioni sonore che riportano i classici nel presente.

Prodotto da A.G. Spettacoli di Alessandro Alfieri, “Lina e le Altre” è uno spettacolo profondamente radicato nel territorio, ma capace di parlare un linguaggio universale. Un racconto necessario, in cui le donne mostrano al pubblico forza e vulnerabilità con una sincerità che sa attraversare ogni confine.